Marco Aurelio Antonino (emperador romano desde el año 161 hasta su muerte en 180 d.C.)

Imagine, por un momento, encontrarse cara a cara con la imponente figura de Marco Aurelio, un emperador cuyos logros trascendieron los límites del tiempo con una de las esculturas más emblemáticas de la historia: la escultura de Marco Aurelio del Museo de Éfeso.

Esta obra maestra del arte clásico, creada en el siglo II d.C., captura la majestuosidad y el liderazgo del emperador romano. Cada detalle tallado con maestría refleja la grandeza de una época pasada y nos invita a explorar la historia a través de la escultura.

La escultura de Marco Aurelio es un verdadero tesoro cultural que nos conecta con los legados del pasado. Es un recordatorio tangible de los logros y la sabiduría de una era, y nos permite apreciar la trascendencia del arte en nuestras vidas. Al contemplar esta obra maestra, nos sumergimos en la grandeza de la antigua Roma y descubrimos la capacidad del arte para evocar emociones y contar historias que perduran en el tiempo.

En el siglo II d.C., el renombrado emperador romano Marco Aurelio fue inmortalizado en una escultura de bronce fundido que captura su esencia magnánima. Esta estatua ecuestre, tallada con precisión meticulosa, muestra al emperador en una postura enérgica y noble, reflejando su liderazgo y valentía sin igual. Cada detalle meticulosamente esculpido, desde el noble rostro hasta el pliegue de su toga, despierta admiración y asombro.

Además es una maravillosa escultura de los máximos exponentes del estoicismo a lo largo de los siglos que perdura y muestra el camino a muchos de los que hoy siguen las enseñanzas que dejó escritas.

Juramento Hipocrático

 

Manuscrito bizantino del siglo XI en el que está escrito el Juramento hipocrático en forma de cruz. Biblioteca Vaticana.

Es un honor poder compartir con Ustedes una fascinante historia que se remonta al siglo V a.C., un período en el que la medicina y el arte se entrelazaban en un hermoso abrazo de ética y sabiduría. 

Hoy, en mi última publicación de mayo, les transportaré al pasado para explorar el legado perdurable del Juramento Hipocrático, una joya histórica que ha dejado una huella indeleble en la medicina y en nuestra cultura.

El Juramento Hipocrático, atribuido al célebre médico griego Hipócrates, es un testimonio cautivador de la promesa de salvaguardar la vida y la integridad humana. 

Este antiguo texto ético, que ha perdurado a lo largo de los siglos, establece los principios fundamentales de la práctica médica y la relación entre médico y paciente. Es un recordatorio inspirador de la nobleza y el compromiso que los profesionales de la salud han tenido durante milenios.

Imaginen, por un momento, a aquellos antiguos médicos, llevando en su corazón el peso de esta solemne promesa mientras buscaban aliviar el sufrimiento y sanar a los enfermos. 

El Juramento Hipocrático les otorgaba la responsabilidad sagrada de usar su conocimiento para el bienestar de la humanidad, sin importar las circunstancias. En su esencia, este juramento trasciende el tiempo y nos conecta con una tradición de curación y compasión que ha perdurado hasta nuestros días.

La Piedad de Michelangelo Buonarroti

En esta edición de mis publicaciones me complace llevaros en un viaje fascinante al corazón del Renacimiento italiano, donde una obra maestra eterna nos espera con los brazos abiertos: "La Piedad del Vaticano" de Michelangelo.

Preparen sus sentidos para ser cautivados por la majestuosidad de una escultura que ha trascendido el tiempo y sigue siendo una fuente inagotable de asombro y emoción.

"La Piedad del Vaticano" es una de las creaciones más sobrecogedoras y sublimes de la historia del arte. La delicadeza con la que Michelangelo esculpió la figura de la Virgen María sosteniendo a su amado hijo, Jesús, en sus brazos, transmite una devoción y una tristeza infinitas. Cada detalle, cada pliegue de tela y cada expresión facial revelan la maestría incomparable de un artista que dejó una huella imborrable en la humanidad.

Esta escultura, que se encuentra en la Basílica de San Pedro, en el corazón mismo del Vaticano, ha sido testigo de innumerables admiradores a lo largo de los siglos. Su presencia es un recordatorio conmovedor de la capacidad del arte para evocar emociones profundas y unir a las personas en un momento de reflexión y trascendencia. Fue esculpida entre 1498 y 1499.

Laocoonte y sus hijos

 En mayo de 1506, se descubrió en Roma una escultura que cautivaría al mundo entero durante siglos: "Laocoonte y sus hijos". Esta obra de arte esculpida en mármol representa una de las historias más conmovedoras de la mitología griega, y hoy quiero contaros un poco más sobre ella.
La historia cuenta que Laocoonte era un sacerdote troyano que trató de advertir a sus compatriotas sobre el famoso Caballo de Troya, que en realidad ocultaba a los soldados griegos.
Sin embargo, sus advertencias fueron ignoradas, y finalmente la ciudad fue saqueada. En la versión de la historia que se representa en la escultura, Laocoonte y sus hijos son castigados por los dioses por haber interferido con su plan divino.
Esta escultura es una de las piezas más impresionantes del arte clásico, y aún hoy en día sigue sorprendiendo a los espectadores con su realismo y detalle.
Laocoonte y sus hijos es un grupo escultórico griego de datación controvertida, aunque suele considerarse una obra original de principios de la era cristiana. La obra es de un tamaño algo mayor que el natural, de 2,42 m de altura y está ejecutada en mármol blanco. Se encuentra en el Museo Pío-Clementino perteneciente a los Museos Vaticanos de Roma. La obra fue realizada por Agesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas, pertenecientes a la Escuela de Rodas del periodo helenístico. 

La Victoria de Samotracia

Este mes de mayo no podía dejar pasar esta curiosidad de una maravillosa pieza de arte: la historia detrás de la majestuosa escultura helenística La Victoria de Samotracia. 
En mayo de 1863, esta obra maestra fue descubierta en la isla griega de Samotracia, convirtiéndose rápidamente en una de las esculturas más admiradas de la antigüedad y se cree que esta escultura fue creada alrededor del siglo II a.C. para conmemorar una victoria naval de los rodios sobre los antígonos. 
Originalmente, se encontraba en un nicho de la isla de Samotracia, donde había sido instalada por los rodios en honor a la diosa Nike. Sin embargo, la escultura fue dañada por los elementos y las invasiones de los bárbaros, lo que provocó que sus fragmentos fueran dispersados por toda la isla. 
Y no fue hasta el siglo XIX que se recuperaron los fragmentos y se reconstruyó la obra tal como la conocemos hoy en día.
La Victoria de Samotracia es una pieza única, que representa a la diosa Nike alada en toda su gloria. Esta escultura ha sido objeto de estudio, admiración y controversia desde su descubrimiento, y ha sido considerada una de las más grandes obras de la escultura helenística.
Pero ¿por qué esta escultura es tan importante? 
Por ser un testimonio del ingenio artístico y la habilidad técnica de los antiguos griegos. Su diseño y ejecución son una verdadera maravilla, y su belleza es tal que ha trascendido el tiempo cautivando a generaciones enteras.

El Discóbolo

 El Discóbolo 

Para terminar este mes de Abril, quiero  compartir con ustedes una curiosidad fascinante acerca de una de las obras de arte más icónicas de la historia: el Discóbolo. Discóbolo es la denominación convencional de una icónica escultura griega de bulto redondo realizada por Mirón de Eléuteras en torno al 450 a. C.. Se enmarca en el inicio del periodo griego clásico, entre el arcaico y el helenístico. La obra representa a un joven atleta desnudo en el instante anterior al lanzamiento de un disco.  ¿Alguna vez se han preguntado si la postura del atleta es real? ¿Es posible que Mirón, el escultor griego que la creó, haya tomado algunas licencias creativas?

La verdad es que sí. De hecho, la posición en la que se encuentra el atleta no es la adecuada para lanzar el disco de manera efectiva. Pero ¿por qué? Según los expertos, la razón es estética: Mirón quería mostrar la belleza del cuerpo humano en su máximo esplendor, en lugar de representar la técnica rigurosa y precisa de este deporte. Este hecho nos demuestra una vez más la importancia de la creatividad en el arte, así como la capacidad de los artistas para tomar ciertas libertades para transmitir sus ideas. Nos invita a apreciar el arte desde una perspectiva más amplia y a contemplar la belleza no solo en la precisión técnica, sino también en la creatividad y la originalidad de las obras.

Venus de Milo

Es un placer compartir con ustedes este dato curioso sobre uno de los monumentos más conocidos de la historia del arte. En abril de 1820, una escultura de mármol llamada la Venus de Milo fue descubierta por casualidad en la isla griega de Milo por un campesino local. La escultura, que representa a la diosa griega Afrodita, o Venus en la mitología romana, es considerada como una de las obras maestras más grandes y emblemáticas de la escultura antigua griega. La Venus de Milo data de alrededor del año 130 a.C., y se cree que fue creada por el escultor griego Alexandros de Antioquía. La estatua originalmente tenía los brazos y las manos, pero se cree que se perdieron en algún momento después de su descubrimiento. Desde entonces, la Venus de Milo ha sido admirada por su belleza y perfección artística, y ha inspirado a artistas de todo el mundo.

Cuadrado mágico

Un cuadrado mágico es una tabla de grado primario donde se dispone de una serie de números enteros en un cuadrado o matriz de forma tal que la suma de los números por columnas, filas y diagonales principales sea la misma. Usualmente los números empleados para rellenar las casillas son consecutivos, de 1 a n², siendo n el número de columnas y filas del cuadrado mágico.

Los cuadrados mágicos actualmente no tienen ninguna aplicación técnica conocida que se beneficien de estas características, por lo que sigue recluido al divertimento, curiosidad y al pensamiento matemático. Aparte de esto, en las llamadas pseudo-ciencias ocultas y más concretamente en la magia tienen un lugar destacado.

El cuadrado mágico de Alberto Durero, tallado en su obra Melancolía I está considerado el primero de las artes europeas. En el cuadrado de orden cuatro se obtiene la constante mágica (34) en filas, columnas, diagonales principales, y en las cuatro sub-matrices de orden 2 en las que puede dividirse el cuadrado, sumando los números de las esquinas, los cuatro números centrales, los dos números centrales de las filas (o columnas) primera y última, etc. y siendo las dos cifras centrales de la última fila 1514 el año de ejecución de la obra.

Alberto Durero (en alemán Albrecht Dürer; (Núremberg, 21 de mayo de 1471-Núremberg, 6 de abril de 1528) es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte. Ejerció una decisiva influencia en los artistas del siglo XVI, tanto alemanes como de los Países Bajos, y llegó a ser admirado por maestros italianos como Rafaelllo Sanzio. Sus grabados alcanzaron gran difusión e inspiraron a múltiples artistas posteriores, incluyendo los nazarenos del siglo XIX y los expresionistas alemanes de principios del siglo XX.

Villa Romana La Olmeda, provincia de Palencia

La villa romana La Olmeda es una villa romana situada en el municipio español de Pedrosa de la Vega, en la provincia de Palencia, comunidad autónoma de Castilla y León. El yacimiento fue declarado Bien de Interés Cultural el 3 de abril de 1996 y la la revista National Geographic lo considera (2016) uno de los doce mayores descubrimientos de la arqueología moderna.

Se trataba de una explotación agrícola en la que se diferencian dos fases cronológicas; por un lado una villa del siglo I que perduró hasta finales del siglo III, y por otro la reedificación de la misma en el siglo IV -en un contexto de recuperación que vivió su mejor momento entre los gobiernos de Constantino I y Teodosio I el Grande- hasta que fue destruida y abandonada en el siglo VI.

Sus restos fueron descubiertos en 1968, durante unos trabajos en tierras propiedad de Javier Cortes, quien comenzó su excavación de manera privada. En 1980 el yacimiento desbordó sus posibilidades por lo que llegó a un acuerdo con la Diputación Provincial de Palencia: se creó una Fundación, que se encarga desde entonces de su gestión y se construyó una cubierta para los restos que posibilitó su apertura al público en 1984. Tras un concurso para una nueva adecuación del yacimiento, en el que resultaron ganadores los arquitectos Paredes y Pedrosa, el nuevo edificio abrió al público en abril de 2009 y al año siguiente recibió el premio Europa Nostra.

El edificio principal de la villa presenta planta cuadrada con cuatro torres angulares, de planta octogonal en la fachada sur y cuadrada en la norte. En el centro hay un patio que en origen fue un peristilo pero más tarde se sustituyeron las columnas del lado sur por una arquería de ladrillo y los restantes lados se cerraron con muros.7 Por su parte, el edificio de los baños, unido a la vivienda a través de un corredor, presenta dos zonas: por un lado una gran habitación circular, cuyo uso se desconoce, y por otro el vestuario, a través del cual se accede a las distintas salas de baño: frigidarium, tepidarium y caldarium. Entre los restantes hallazgos cabe destacar las tres necrópolis encontradas, que han proporcionado más de 700 tumbas pertenecientes a distintos periodos y abundante material arqueológico gracias a los ajuares.

Posiblemente el mayor atractivo de la villa lo constituye el conjunto de mosaicos que pavimenta sus suelos, considerado como uno de los más importantes de España. De todos ellos destaca el mosaico situado en el oecus de la casa, compuesto por una gran cenefa y una escena central con tres temas distintos: una escena de caza, la leyenda del descubrimiento de Aquiles por Ulises cuando el primero estaba oculto en la isla de Esciros, y una cenefa en la que aparecen varios medallones con retratos y una representación de las estaciones del año. Una selección de los materiales hallados en las excavaciones está expuesta en el museo monográfico sobre La Olmeda que en 1984 se instaló en la iglesia de San Pedro de Saldaña.

Bosch o el Bosco en España

EL BOSCO

 El jardín de las delicias

El triunfo de la muerte

La mesa de los Pecados Capitales

Jheronimus van Aken, llamado familiarmente Joen y conocido como Jheronimus Bosch, en España el Bosco (Bolduque, c. 1450-1516) fue un pintor del norte del Ducado de Brabante, en los actuales Países Bajos, autor de una obra excepcional tanto por la extraordinaria inventiva de sus figuraciones y los asuntos tratados como por su técnica, al que Erwin Panofsky calificó como artista «lejano e inaccesible» dentro de la tradición de la pintura flamenca a la que pertenece.

El Bosco no fechó ninguno de sus cuadros y son relativamente pocos los que llevan una firma que pueda considerarse no apócrifa. Lo que se conoce de su vida y de su familia procede de las escasas referencias que aparecen en los archivos municipales de 's-Hertogenbosch y, en especial, en los libros de cuentas de la cofradía de Nuestra Señora, de la que fue miembro jurado. De su actividad artística tan solo se documentan algunos trabajos menores no conservados y el encargo de un Juicio Final que en 1504 le hizo Felipe el Hermoso. Ninguna obra se le puede atribuir con absoluta seguridad y las características de su singular estilo se han podido fijar únicamente a partir de un reducido número de obras mencionadas en las fuentes escritas, posteriores todas ellas a la muerte del pintor y, en algún caso, de dudosa fiabilidad, al no distinguirse desde muy pronto las obras del Bosco de las de sus imitadores. El Bosco adquirió aún en vida fama como inventor de figuras maravillosas y de imágenes llenas de fantasía y no tardaron en salirle seguidores y falsificadores que harían de sus temas e imaginaciones un verdadero género artístico, difundido también a través de estampas —muchas de ellas firmadas por Hieronymus Cock— y tapices bordados en Bruselas.

Felipe II, entre los primeros y más insignes coleccionistas de sus obras, pudo reunir un importante número de ellas en el Monasterio de El Escorial. En su entorno surgieron también los primeros críticos e intérpretes de la obra del Bosco. El jerónimo fray José de Sigüenza, historiador de la fundación escurialense, resumió las razones de esa preferencia en su singularidad como pintor, pues, explicaba: la diferencia que a mi parecer hay de las pinturas de este hombre a las de los otros, es que los demás procuraron pintar al hombre cual parece por de fuera; este solo se atrevió a pintarle cual es dentro.

Si me preguntaran, que no lo hacen, en que momento me hubiera gustado vivir y de qué manera, les diría que una de la épocas y fórmulas elegidas hubiera sido la de ser monje en uno de los conventos rurales de la Edad Media. Vida ordenada, buenos alimentos cultivados en las propias huertas y cuidados en sus corrales, buen vino, cerveza y licores  y buena gastronomía y repostería. A añadir la estimulante vecindad de buenas mozas que se acercaban por el convento. Y, por si fuera poco, facilidades  para tener una buena muerte e ir derecho al cielo o a través de una breve estancia en el purgatorio.

Pero, además, buenas lecturas de los papiros antiguos, estudios e investigaciones científicas y… sobre todo, el ejercicio de la pintura en el adorno de los libros que, imparablemente, transmitían a la posteridad. Verdaderas maravillas que todavía no están suficientemente reconocidas, valoradas y popularizadas.

Tenía el propósito de ver la exposición de El Bosco, uno de los santos de mi devoción, pero he tenido ocasión de ver, en pantalla gigante, un reportaje impresionante, sobre sus cuadros y su vida, que me hace dudar ante la alternativa de verlos entre el bosque de cogotes de la exposición.
Que deseable sería poder ver más películas sobre obras maestras de artistas. Encuentro algún defecto como es que los comentarios en otros idiomas no estén doblados lo que obliga a mirar los letreros de la traducción sacando la mirada del cuadro. También la habitual pedantería de los “expertos” que se desviven buscando y explicándonos lo “que quiso decir”, lo literario.

Menos mal que allí estaba Barceló para decirnos que a él no le interesa la interpretación (el mensaje), sino lo visual, lo pictórico. Los “expertos” pretenden, siempre, hacer literatura de una obra de arte, buscan anécdotas, mensajes y símbolos, mientras que para Barceló, los artistas buscan lo visual, la creatividad, la poesía. De ahí que el Arte Conceptual, que los “expertos” aplauden, apoyan y venden es, como su nombre indica, un 90% conceptual y un 10% Arte. Pero amigos, el Arte es otra cosa.

Se tiene a El Bosco como un pintor misterioso y enigmático porque se conoce poco de su biografía, pero es probable que no la tenga. Simplemente, creo yo, fue un pintor, hijo y nieto de pintores, ensimismado y ocupado, rutinariamente, en su labor. También se le tiene como a un pintor aislado, sin influencias precedentes, pero yo no lo veo así. Yo lo veo inmerso en una época en que muchos artistas vertían su imaginación y creatividad en la representación de seres fantásticos en convivencia con los humanos, como podemos contemplar en las alucinantes gárgolas y las fantásticas tallas, en la piedra y en la madera, de las catedrales góticas.

Y volviendo al principio, a las milagrosas fábricas de Arte y sabiduría que eran los conventos medievales, podemos considerar a El Bosco influido, también, por las maravillosas ilustraciones que inundan los libros en que los monjes nos transmitían la sabiduría antigua.

No cabe duda de que el tiempo, en aquellos recintos, debía tener otra dimensión pues aquellos maravillosos e incógnitos artistas no se limitaron a copiar y traducir los antiguos escritos que custodiaban, sino que inventaron nuevas caligrafías cuyas letras eran, ya, verdaderos hallazgos pictóricos y hacían de cada página, adornada de miniaturas de gran minuciosidad e inventiva, una obra maestra.

 Vemos, en ellas, infinidad de pinturas, ejecutadas con atractivas tintas, dando vida a motivos, desde la más exigente figuración a la más delirante abstracción, pasando por el surrealismo más imaginativo.

Nunca conoceremos los nombres de estos artistas a los que debemos tanto, pero sus obras, tan ignoradas, son comparables a las de los grandes maestros que se expresaron en lienzos, paredes y maderas.

El Bosco fue, sencillamente, uno más de ellos, que escapó saltando, artísticamente, la tapia del convento.

Miguel Ángel, los secretos ocultos en sus obras maestras, de William E. Wallace

Muy interesante este libro de Wallace patrocinado por Ocaso sobre los secretos de las obras del excelso artista. Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médici de Florencia y los diferentes papas romanos. Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida: Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architetti, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido, y Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti. Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino. Benedetto Varchi, el 12 de febrero de 1560, le envió una carta en nombre de todos los florentinos diciéndole:...toda esta ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca como de lejos... Vuestra Excelencia nos haría un gran favor si quisiera honrar con su presencia su patria.Tolnay (1978, p. 14)
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte del papa Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.

Catedral de Santo Domingo de la Calzada

Monasterio de Yuso

El código secreto

La forma espiral del Nautilus Emperador se ensancha en una proporción phi griega, la proporción áurea. 

Hombre, conócete en tu verdadera proporción. 

ORÁCULO DE DELFOS

Durante mucho tiempo, quienes ansían conocer la verdad se han sentido impotentes ante la complejidad de nuestro universo. Los físicos envían sondas al espacio, los historiadores intentan recomponer
fragmentos de nuestro pasado y los botánicos escudriñan los secretos de la naturaleza. Todos coinciden en que la vida, cuando menos, es un misterio insondable. Mediante la observación de multitud de formas y cadencias diferentes, tratan de buscar pautas, relaciones y signos reveladores. ¡Cuánto nos alegraría encontrar una pista o una fórmula que nos condujera a algún principio unificador de la realidad!
En el concepto de proporción reside una estrategia para lograr ese descubrimiento; en el caso de la proporción áurea, se trata de una posibilidad real. Usando el lenguaje de la comparación y las relaciones matemáticas, podemos aplicar la proporción áurea a los misterios de la vida acercando lo mayor a lo menor y tomando ambos como modelo del conjunto. Lo que descubrimos es una relación de equilibrio, armonía y simetría que resulta asombrosa y que funciona de manera tan misteriosa como el código que pretendemos descifrar.

Sin ser algo obvio, pero tampoco oculto, la proporción áurea se puede expresar con facilidad en palabras: la relación del conjunto con la parte mayor es exactamente la misma que la de la parte mayor con la menor. Se describe con suma claridad: se trata de una serie numérica que progresa sumando los dos números anteriores.

Pero ¿qué quiere decir esta definición? Para quienes las cifras y las abstracciones resultan difíciles de entender, significa que existe una relación que es demostrable a través de los números, que da pie a una serie de formas y dinámicas que aparecen en toda la naturaleza y que pueden traducirse directamente en reglas de proporción utilizables por los artistas. Es más, sus propiedades armoniosas han sido reconocidas como verdades esenciales en e! mundo del espíritu y su relación con nuestra vida cotidiana se pone de manifiesto en las proporciones de nuestros propios cuerpos.

La fascinación que el ser humano ha sentido durante muchos siglos por la proporción áurea se debe en gran medida a sus numerosas propiedades interesantes, entre las que destacan la armonía, la regeneración y e! equilibrio, por citar tan solo algunas. La armonía se manifiesta en las pautas de diseño que aplica la naturaleza en las plantas, las conchas, el viento y las estrellas. El principio de regeneración se pone de manifiesto en formas y figuras que constituyen la base de la realidad, desde la estructura del ADN hasta el contorno de! universo. El equilibrio que hallamos en la cóclea de nuestro oído interno tiene su reflejo en la evolución del embrión humano, que nos lanza a la existencia.

En nuestro día a día, al observar y medir las cosas, la proporción se usa normalmente para expresar la relación entre las partes o entre una de ellas y el conjunto, y se basa en la similitud de dos razones.
Una razón de estructura simple es una comparación. Expresiones como «tres cuartos» o «doscientos por ciento» son razones y las encontramos por todas partes. Las empleamos cada día para comparar toda clase de cosas. Para crear una proporción comparamos dos razones e introduciendo una unidad de medida que nos permita establecer cómo funciona la comparación.

Si queremos examinar más de cerca la exactitud de la proporción (como hacen los matemáticos), utilizamos expresiones para describir en qué grado algo es proporcional a otra cosa.

¿A un día de verano compararte? 
Más hermosura y suavidad posees... 
SHAKESPEARE

Las mujeres han servido todos estos siglos de espejos, dotados del mágico y delicioso poder de reflejar la figura de un hombre al doble de su tamaño natural. 
VIRGINIA WOOLF

Para poner otro ejemplo que ilustre el funcionamiento de la proporción, podemos fijamos en lo que sucede cuando nos hallamos delante de un espejo. A medida que nos acercamos al cristal, disminuye la parte que vemos de nuestra persona, pero la imagen reflejada es mayor; cuando nos alejamos, la parte que vemos aumenta, pero la imagen reflejada es menor. De ese modo tenemos dos razones, cerca-grande y lejos-pequeño, y una proporción: el tamaño de la imagen reflejada es proporcional a la distancia del espejo.

Cuando queremos describir numéricamente una razón, utilizamos una barra para separar las dos partes que la componen. Para describir una proporción intercalamos un signo de igual entre las dos razones correspondientes. La descripción matemática de la proporción áurea es la letra griega (phi, léase fi) y su fórmula algebraica es

= (1 +√5) ∕2

Euclides, el famoso matemático griego que por primera vez puso la proporción áurea en palabras, dividió una línea en dos secciones de manera que la relación entre la línea entera y su sección mayor fuera igual a la relación entre la sección mayor y la sección menor.

Si traducimos esta proporción  en formas geométricas, observaremos que describe mágicamente muchas de las pautas que vemos en la naturaleza. Los arquitectos la utilizan para crear edificios de excelente simetría; en la ciencia evoca principios abstractos aplicables a otras dimensiones que nos cuesta entender. Podemos ver cómo se expresa  en las pirámides de Egipto, el Partenón de Atenas y las catedrales góticas europeas; podemos percibir cómo los artistas y artesanos de todas las épocas la utilizan, y podemos verla como descripción perfecta de los principios del crecimiento y el dinamismo en la naturaleza.
La Historia nos ha legado una larga lista de nombres de personas (místicos, filósofos, músicos, científicos, poetas, artistas, políticos, matemáticos, sabios y gente corriente) que sintieron una fascinación colectiva por la armonía de esta maravillosa proporción y sondearon sus secretos para descubrir en ella nuevas y apasionantes propiedades. Siglo tras siglo, de una disciplina a otra, las virtudes de la proporción áurea han salido a la luz una y otra vez en la invención de antiguos artefactos, en las observaciones de la naturaleza y en la filosofía y magia que encierran los números. Ha quedado prodigiosamente reflejada en el arte y la arquitectura, articulada en la música y cantada en la poesía, corroborando sus aspectos trascendentales.

¿Por qué?

La atracción esencial de la proporción áurea que ha causado tanta fascinación proviene de su referencia subliminal a nosotros mismos, dado que su aspecto más profundo queda patente al introducir al ser humano en la ecuación y percibir la proporción como una relación que nos incluye. Al contemplar nuestro lugar en la ecuación observaremos que unas veces somos el conjunto, otras la parte mayor y otras la menor, aunque siempre en una proporción perfectamente equilibrada del conjunto con la parte mayor y de esta con la menor.

Siendo una relación entre el macrocosmos y el microcosmos, la proporción áurea describe lo grande y lo pequeño en su vínculo más íntimo: no están separados, sino conectados. La proporción los asocia de manera que existe un efecto especular que permite ver lo grande en lo pequeño y lo pequeño en lo grande.
Cuando utilizamos el lenguaje para mirar a través de las lentes de la percepción, calificamos al cuerpo humano de universo o decimos que vemos el «universo en un grano de arena». Podemos captar una forma por su sombra, conocer un libro por su cubierta o entender el estado de ánimo de una persona por el tono de su voz.

Hablamos comúnmente con símiles, metáforas y leyes de simple proporción porque nos parece que ayudan a aclarar las cosas. La proporción áurea nos ofrece una lente única para observar nuestro universo.

Los aspectos más remotos y generales de la ley son los que le confieren un interés universal. A través de ellos uno no solo deviene un gran maestro de su profesión, sino que conecta su temática con el universo y capta un eco del infinito, un atisbo de su proceso insondable, una huella de la ley universal. 
OLIVER WENDELL HOLMES JR. (1841-1935). THE PATH OF THE LAW

En el fondo de nuestro ser, creemos que las leyes universales tienen una validez eterna. Para conocer los principios de habremos de examinar las muy diversas maneras en que se utiliza. En un viaje en el tiempo que nos llevará desde la construcción de las pirámides hasta las expresiones místicas del presente, veremos desplegarse la proporción áurea como un principio equilibrado y dinámico.
Conoceremos diferentes expresiones de sus pautas (matemáticas, creativas y espirituales) y experimentaremos su naturaleza reflexiva. En resumen, se trata de un estudio fascinante, pues las numerosas manifestaciones de la proporción áurea encierran la comprensión de épocas y lugares muy distintos de los nuestros.

Como si se tratara de un sonido musical de tonos armoniosos, la proporción áurea transmite una sabiduría ancestral que reside en una multitud de expresiones, y como todas las cosas bien hechas, esta proporción perfecta da lugar a la belleza.

No hay nada placentero que no esté en armonía con lo más profundo de nuestra naturaleza divina. 
HEINRICH SUSO (HACIA 1295-1366). Místico alemán